8. Борьба с подражательством

Восхищение зачастую порождает подражание. Индивидуальность неповторима, полное, 100%-ное копирование невозможно.

Всегда полезнее, да и интереснее, “открыть” пьесу самому, без суфлёрства, пусть великолепно талантливого. Поэтому слушать запись лучше после первого этапа ознакомления с пьесой, когда собственная концепция (образная, формообразующая, штрихо-аппликатурная) уже более-менее сформировалась. Хорошо послушать несколько исполнений, а также сочинения, с которыми могут возникнуть параллели: как опусы того же автора, так и его современников (понять своеобразие, для лучшего понимания стиля). Параллели м.б. более далёкими – жанровыми (пьесы этого же жанра других эпох) и даже с другими видами искусства.

Интересно попытаться сформулировать музыкальное содержание вербально, подобрать соответствующую цветовую гамму, для интонаций – жест, пластику, мимику. Любые параллели обогатят образ, сделают его многограннее, многозначнее, а значит – правдивее, жизненнее.

9. Эмоциональные подпорки

Да, случается и такое – хмурое утро, вы не выспались, ну или встали не с той ноги, в общем, мысль о том, что надо опять браться за инструмент, вызывает отвращение…

Совет первый: займитесь чисто технической работой, медленно поиграйте какое-то умеренно трудное место: никаких эмоций, только холодная голова и свободные руки.

Можно попробовать поработать с мотивацией, или, проще говоря, искусственно вдохновиться. Помогает чужой пример: почитать книжку, статью о знаменитом человеке (не обязательно музыканте), где акцентируются моменты достижения цели, преодоления себя — мобилизует. Очень сильной мотивацией является подготовка к конкурсу или просто к важному концерту. Представьте – кто вдруг может оказаться в зале – совершенно неожиданно!

Можно использовать временной ограничитель: “Вот поработаю до стольки-то – и всё”.

К тому же скрипка – инструмент весьма капризный. На качество звучания влияют малейшие изменения положения подставки, душки, изношенность струн, а также погода: температура и влажность.

Что касается регулировки, то тут всё ясно – идёшь к мастеру и исправляешь ситуацию. С погодой хуже… Пока инструмент не адаптируется к непривычным для него условиям – делать нечего, приходится терпеть. Постарайтесь абстрагироваться от шипов-хрипов, займитесь интонацией, чем-то не связанным со звуком.

Каждый день делать хоть немного, хоть чуть-чуть что-то улучшать.

10. Уртекст и редактура

Будьте внимательны к тексту, к замыслу автора. Старайтесь найти издание, очищенное от редакторской правки (например, Henle Verlag, Barenreiter и др.); всегда лучше сначала подумать-проставить штрихи и пальцы самому, а уж затем соотнести найденное с предложениями редактора. Зачастую удаётся найти свой, более удобный (ведь руки то у нас у всех хоть чуть-чуть, а разные) или интересный вариант – и ваши старания будут вознаграждены сторицей.

Порой искажения текста происходят под влиянием прослушанных и “слишком хорошо” усвоенных записей. Будьте бдительны!

Уж потом, поиграв некоторое время пьесу с точным соблюдением авторских указаний, и поняв, почувствовав, что он хотел сказать, можно начать потихоньку отступать от жёстких рамок, привносить что-то своё в прочтение того или иного произведения.

11. Время и темпы

Темп, скорость развёртывания повествования – одно из главных средств выразительности. Сыгранные в разных темпах, одни и те же ноты несут совершенно разную эмоциональную нагрузку.

Значение имеют даже очень, казалось бы, незначительные колебания темпа. Внутри более-менее развёрнутого произведения темп меняется почти всегда, указано это автором или нет. Темп — один из инструментов построения формы.

Барочные Adagio и Grave не так тяжелы, как кажется. В музыке Телемана и Баха медленные части не следует развозить, а быстрые загонять.

Часто авторы (не редактора!) указывают чрезмерно подвижные темпы. Происходит это, как представляется, оттого, что они видят всё произведение в целом, не углубляясь в мелкие детали, как бы с высоты птичьего полёта. Соответственно, все разделы уменьшаются в угоду целому, а темпы – ускоряются.

На сцене, в состоянии стресса, время сжимается. Нередко это становится причиной суеты. Не летите! Не комкайте паузы! Умение держать паузу отличает Артиста от ученика. Не бойтесь медленных темпов, погружайте слушателя в состояние транса, дайте ему ощутить прелесть “музыки состояния”.

12. Музыкальная форма

Музыкальная форма — вещь на первый взгляд довольно абстрактная и теоретическая. Лишь с опытом начинаешь осознавать практическое значение формы, а затем и употреблять заложенные в ней механизмы воздействия на слушателя.

Конечно, получить эстетическое удовольствие от своеобразного построения формы того или иного произведения может лишь человек, профессионально разбирающийся в этом. Но грамотное обращение с формой воздействует и на подсознательном уровне, оставляя ощущение законченности или наоборот, некой неоформленности целого.

Исполнитель работает с формой как стилист с лицом: не прибегая к радикальным средствам, он оттеняет одно, высвечивает другое и произведение неузнаваемо трансформируется.

Средства применяются любые – темп, динамика, тембры. Какие-то детали утяжеляются, акцентируются, а с чего-то, наоборот, снимается смысловая нагрузка.

Для начала, разобрав схему строения пьесы, нужно определиться с образами, осознать – пусть очень обобщённо – о чём это, понять драматургию. Чаще всего, в каждом крупном произведении несколько более-менее контрастных взаимодействующих образов. Выделяете ключевые моменты этого взаимодействия (примеры драматургии сонатной формы можете прочитать в любом учебнике музыкальной литературы) – вот вам костяк формы. А дальше уже дело индивидуальное – в зависимости от ваших корректив, слушатель воспримет произведение как трагедию, как фарс или ещё как-нибудь.

Иногда говорят об «архитектоничности» исполнения, сравнивая музыкальную форму с архитектурной и, хоть музыкальное искусство принципиально отличается временным характером своей природы, подобная параллель корректна.

13. Сцена

Сценическое волнение – феномен знакомый всем артистам. Как превратить его из “мандража” в “эмоциональный подъём”?

Вот несколько советов:

Вы наверняка замечали, что при частых выступлениях волнение меньше и, наоборот, после длительного перерыва волнуешься больше. Момент привыкания к сцене можно дополнить целенаправленной имитацией её в домашних условиях.

Не случайно существует выражение: “Чувствует себя как дома” в противовес “не в своей тарелке”.

Не обязательно громко произносить: “Выступает..!”, просто представьте себя стоящим на сцене, как бы со стороны взгляните на себя, вот увидите, ваши ощущения резко изменятся и потребуется некоторая коррекция ощущений для адаптации.

Попытайтесь играть с расчетом на зал, а не на комнату. Выгляньте в окно; если сейчас не глубокая ночь, скорее всего вы увидите людей, идущих по улице. Попробуйте донести до них ваше чувствование музыки. Ощутите разницу. Это не будет прямолинейно плотнее, громче, это будет просто “вдаль”.

Старайтесь, выходя на сцену, максимально ясно представить себе то, что будете сейчас делать, самое начало произведения, максимально ярко почувствуйте атмосферу, которую вам предстоит сейчас воссоздать. Начав, погрузитесь в образ как можете глубже, и у вас не останется внимания на волнение, на отвлекающие моменты. В состоянии сценического переживания мы настолько “в образе”, что вывести из него нас не может ни упавший номерок, ни лопнувший с треском прожектор – ничто.

14. Стиль

Что есть стиль? Это мировоззрение, нашедшее своё воплощение в определённом круге образов (через определённый круг средств).

Иногда стремление к максимальной выразительности игры, разнообразию звучания приводит к некоторой пестроте. Вы как бы выходите за рамки данной образной сферы. Так что будьте бдительны — и стильны.

15. Скрипичный репертуар или Что нам играть

Вы освоили все шесть сонат Изаи – прекрасно, поздравляю! Это действительно достижение! Но… Всё в этом мире “вместо чего-то”… Не отняло ли это у вас слишком много времени, всё время?

Г-да студенты! Столько времени на занятия, сколько вы имеете сейчас, у вас не будет, скорее всего, уже никогда. Составьте себе список произведений, которые, по вашему мнению, непременно нужно сыграть каждому уважающему себя скрипачу. А то рискуете так и остаться исполнителем 24 каприсов Паганини или ещё чего-нибудь в этом роде — и всё… И весь разнообразнейший мир музыки сузится для вас до масштабов одного, пусть и выдающегося цикла (композитора, стиля). Ещё один аргумент в пользу вышесказанного: пройденное за годы учёбы, под руководством педагога, как правило, крепче застревает в наших мозгах, чем спешно (практически всегда!) выученное позднее.

Нельзя объять необъятное, но нужно к этому стремиться. Стремиться попробовать и то, и это; иметь понятие о разных композиторах, разных стилях.

Глубоко копать – это здорово, но позаботьтесь о том, чтобы вам было где, так сказать, развернуться в выкопанном. Интенсив “плюс”, а не “вместо” экстенсива. В наше время трудно выжить музыканту – пусть даже и очень талантливому – но однобокому, который не в состоянии продраться сквозь тернии (арнамент, дебри, криптограмму) современной партитуры (указания на семи листах “как же всё-таки сыграть эту небольшую пьесу” прилагаетсяJ ), или не знает элементарных правил исполнения барочной музыки.

Держите в руках несколько пьес “презентационного” характера. Это, как правило нечто недлинное, обязательно незаунывное (вы обращали внимание, что подавляющее, просто-таки подавляющее количество классической музыки написано в миноре и для широких народных масс именно заунывноJ ?) и желательно без сопровождения (ф-но наличествует не везде, и даже там, где оно стоит, не всегда на нём можно ещё и играть).

Имейте также в виду, что игра на большой сцене отличается от игры в узком кругу. Здесь ценится не масштаб, а красота звучания, и не оригинальность трактовки, а выразительная и чистая интонация.

Совместное музицирование – то, чем занимаются в классе камерного ансамбля и, отчасти, квартета – одно из наивысших удовольствий, которого многие почему-то сами себя лишают. И дело не только в том, что умение слушать партнёра есть одно из основополагающих, неотъемлемых умений каждого музыканта, и даже не в том, что именно для камерных ансамблей написано, пожалуй, больше всего музыки высшей пробы.

Дело в том, что преподаватели камерного ансамбля — в большинстве своём пианисты, и с этим нам, струнникам, несомненно, повезло. Они (педагоги) не обращают столь пристального внимания на внешнюю правильность игры, а делают акцент на музыкальной стороне дела. Эта “карт-бланш” (“играй как хочешь, был бы результат”) даёт недостижимую порой на уроках специальности свободу в поиске и применении новых средств выразительности, новых приёмов; свободу музыкантскую, влекущую за собой свободу инструментальную. Стремление к достижению высокой музыкальной цели, будучи не отягощено соображениями “правильности”, порой раскрывает лучшие, самые яркие и самобытные грани нашего таланта, принося наслаждение исполнителям и удивляя педагогов. Вот такая “Ода во славу камерного ансамбля”J .

16. Свежесть восприятия — залог успеха

Золотые зёрна рассыпаны везде: слушаете ли вы музыку (особенно солистов-исполнителей), посещаете ли уроки специальности, камерного ансамбля, квартета – обогащайте свой исполнительский арсенал. Не просто выполняйте указания педагога, а пытайтесь вывести принцип.

Попробуйте не просто копировать чей-то стиль, а разобраться – как используется тот или иной приём, как, какими средствами формируется образ, как выстраивается форма. Да, это трудно, это требует глубокого анализа услышанного-увиденного. Но если вы сумели это сделать – приём ваш, вы сможете использовать его, когда только пожелаете!

Вообще, впитывайте, слушайте окружающий мир, попробуйте как будто в первый раз взглянуть на него широко открытыми глазами. Страшно важно не утерять свежести ощущений. Консервация, потеря способности к восприятию нового, к изменению есть признак упадка. “Не дай себе засохнуть!”J Жизненные впечатления преобразуйте в образы, занесите их в виртуальную картотеку и используйте в своей профессии – творческой всё-таки.

Способный ученик – саморегулирующаяся система. Иногда достаточно сбить его ориентиры, и, по-новому взглянув на собственную игру, он неожиданно открывает новые перспективы.

Именно так, наверное, работают порой рекомендации типа: “А теперь подумай о левой пятке”.

Со стороны всегда виднее, и проблема адекватного восприятия собственной игры стоит, видимо, всегда. Ещё раз повторю тезис о решающем значении, которое имеет способность человека свежим взглядом посмотреть на старую проблему. Редко кто способен воспринять картину полностью, не упуская ничего. Сторонний советчик нужен время от времени даже зрелым художникам.

Наличие объективной картины позволяет верно скорректировать исполнение, выбрать путь для дальнейшего движения вперёд.

Хорошим подспорьем в этом выступает магнитофон (мини-диск etc.) и зеркало. Записывайте как этапные моменты в домашних занятиях, так и концертные выступления (лучше всего на видео), во время которых, как известно, наши упущения – и постановочные, и музыкальные – проступают в наиболее явном виде.

И не забывайте делать выводы после каждого прослушивания!